Festival Nacional de Danza Contemporánea

Vladimir Rodríguez de Cortocinesis: Exprimir los cuerpos para contar

La obra “TOC” de Cortocinesis de Colombia clausura el Festival Nacional de Danza Contemporánea el domingo 28 de agosto en el Teatro de la Danza.

El Festival Nacional de Danza Contemporánea (FNDC) auspiciado por el Teatro Popular Melico Salazar se lleva a cabo hasta el domingo 28 de agosto en San José. Una de las obras que se presenta la noche de la clausura es «TOC» de la agrupación colombiana Cortocinesis.

UNIVERSIDAD conversó con el maestro, bailarín y coreógrafo Vladimir Rodríguez, fundador e integrante del grupo creado en Bogotá en el 2003.

El artista además fue invitado a ofrecer un taller sobre las propuestas pedagógica y creativa denominadas «Piso móvil» y «Escritura del movimiento improvisado», respectivamente, con las que el colectivo aborda el hecho escénico. Acá un extracto de la conversación.

¿Qué traés al Festival?

Soy invitado por el Festival para realizar dos actividades: una que es la pedagógica para impartir un taller de entrenamiento y creación. Yo practico un sistema de entrenamiento que se llama Piso móvil y en la parte de la creación trabajo un mecanismo creativo que yo llamo la Escritura del movimiento improvisado. Además llevo un solo que cree en el 2015 que se llama Trastorno por Origen Confuso (TOC), que hace referencia al Trastorno Obsesivo Compulsivo, que es la sigla del TOC; juego con las palabras. Esta pieza es un cuestionamiento sobre la diferencia de la persona que migra y que cuando llega a un lugar es diferente. Esa diferencia está en la manera de hablar, de expresarse, en los hábitos y en los comportamientos. Cuando vivimos en un lugar, por más que nos integremos seguimos teniendo una parte que es rara para los que viven en ese lugar. Entonces jugaba con las palabras y decía que podía ser tratada como un trastorno. Es una crítica a los modelos de migración, a los sistemas burocráticos de migración y una crítica política sobre los procesos de naturalización; cuáles son las exigencias para ser naturalizado, nacionalizado en un país tan diferente al tuyo. A través de esta pieza vas a ver a un hombre que parece que sufre una trastorno y esa diferencia es la que viene a denunciar: casi que porque soy así tengo que asumir este proceso de nacionalización, de integración a una cultural diferente.

¿Con Cortocinesis planteás una investigación o laboratorio del movimiento para salir de esa zona de confort que genera tener control sobre el movimiento?

Efectivamente. Soy considerado un profesor o artista muy metido en la fisicalidad, en el movimiento. Pero no como medio solamente de virtuosismo mecánico sino más bien una fisicalidad de la comunicación. Lo que trato es de fisicalizar la comunicación, cuando no utilizo la palabra cómo hago para que la comunicación siga trabajando. Entonces cuando bloqueo la palabra o los conceptos utilizo otros mecanismos de expresión para completar mis ideas y para poder hacer entender lo que quiero decir. Aparece el cuerpo y el sonido, el trabajo de la voz y del gesto para afinar esa comunicación. Cómo me puedo explotar teatralmente sin necesidad de dejar que los conceptos lo trabajen todo.

Incorporás el uso de la voz en tus obras…

Cuando yo vinculo el sonido -yo a veces lo llamo más sonido porque para mí no es la palabra lo que está en juego sino el sonido- o el gesto no lo hago para tratar de ir a áreas teatrales ortodoxas, lo hago porque me parece que son mecanismo corporales; las cuerdas vocales son músculos finalmente. El rostro está lleno de grupos musculares y todo eso está encadenado, los músculos de mis cejas están interconectados con los músculos de mi faringe, de mis cuerdas vocales, con mis pulmones y en consecuencia están conectados con mis pectorales, con mis bíceps…cómo hacemos para que se reconecten y no disociar la información, y no decir no aquí yo canto, aquí yo bailo, aquí yo hablo. Todas están intrínsecamente unidas y más bien este sistema académico que tenemos, este pensamiento muy occidental se encarga de hacer la división, especializarnos al punto de que nos olvidamos que eran una sola cosa.

“El cuaderno de Sara” es una obra de Cortocinesis en la que participa una niña, ¿esta propuesta es una investigación que va a lugares donde no es común que vayan los grupos de danza contemporánea -trabajar con niños-?

Yo fundé a Cortocinesis en el 2003 en Bogotá y se convirtió en un colectivo de artistas, entonces somos un grupo de maestros y de artistas de la escena que fundamos este espacio y lo continuamos sosteniendo a hoy. Después fundamos un espacio cultural que se llama La Futilería que está en Bogotá, entonces hemos tenido muchas facetas. No queríamos ser solo hacer obras de danza. De ahí salió “El cuaderno de Sara” que no es una creación mía sino del colectivo. Se unieron tres de los cinco integrantes y construyeron este espectáculo con Sarita que es sobrina de la codirectora de Cortocinesis. Es una obra que habla sobre el homosexualismo y la adopción.

Hay otras propuestas en las que Cortocinesis crea en espacios no convencionales como una casa (teatro) o un edificio abandonado, ¿es otra forma de poner en “peligro” las experiencias corporales?

Por eso es que Cortocinesis es un colectivo de artes escénicas más que de danza solamente; para nosotros hay esa apertura a experimentar las posibilidades de comunicar mientras permanezcamos dentro del mundo de lo teatral; es un teatro que tiene un énfasis en el cuerpo y la danza es una de las herramientas para hacer ese teatro. No es hacer danza en espacios alternos sino buscar espacios que nos van a ayudar a comunicar. Eso explica en gran parte el concepto del peligro, de salirse de los lugares conocidos y tratar de construir lenguajes desde otros lugares.

Ustedes crean obras muy diversas entre sí, ¿podría reconocerse una cualidad de movimiento propia del grupo?

Lo que permanece un poco es esta manera de moverse, de relacionarse con el espacio con los otros cuerpos, lo que hace parte del entrenamiento que yo doy, es decir partimos de esas herramientas. En el resto del proceso hay una experimentación, dejamos que las cosas vayan llegando, que se vayan proponiendo.

¿Qué deseás compartir al participar en el Festival?

Yo empecé bailando y después se me volvió muy provocador el lugar de la escena, ese lugar donde la gente va a observa a otro ser humano. Era desarrollar la capacidad de la comunicación, volverse una antena de ideas, recibirlas de afuera y enviarlas. Esa es una de mis ambiciones: cómo hago para que esta persona comunique. En ese sentido mis talleres proponen eso. Es un trabajo sobre la expresión, sobre la expresividad, sobre el expresionismo, sobre la exageración para poder entender la finura de la expresión después. Mi problema no es tanto estético o exclusivamente motriz sino es ver el contenido de la comunicación que tiene la motricidad, cómo exprimir a un cuerpo y exprimir su  motricidad para que cuente algo. Es un trato casi cruel. Ellos creen que vienen a exprimirme a mí pero yo voy a hacer que saquen sus mecanismos de expresión. Ellos se van a validar en la medida en que se vuelvan canales de comunicación, así van a ganar el lugar de la escena. No dejo que se vuelvan iconos de demostraciones, exhibicionismos de lo que yo puedo hacer de lo que los otros no pueden hacer. La escuela ortodoxa y ruin somete a los bailarines a una dictadura que los condena al silencio.

Irse de fiesta con la danza

Qué: Festival Nacional de Danza Contemporánea

Cuándo: hasta el domingo 28 de agosto

Dónde: Teatro Popular Melico Salazar y Teatro de la Danza

Hora: entre semana y sábado 8 p.m. y domingo 6 p.m.

Precio de las entradas: ₡5.000 general / ₡2.500 estudiantes

Preventa en la boletería del Teatro Popular Melico Salazar.

El Teatro de la Danza abre la boletería dos horas antes de cada función.


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