Cine japonés inundará San José con romance y tragedia

A partir de junio usted podrá acercarse a una de las culturas que más fascina la mirada audiovisual occidental. El Centro de Cine del Ministerio de Cultura y Juventud,

A partir de junio usted podrá acercarse a una de las culturas que más fascina la mirada audiovisual occidental. El Centro de Cine del Ministerio de Cultura y Juventud, así como la embajada de Japón y la Fundación Japón, trae un ciclo de películas dedicado a esta nación asiática.

Dicho ciclo se llevará a cabo en dos partes: del 19 al 29 de junio se proyectarán películas de género dramático, mientras que del 3 al 13 de julio se abordarán otros géneros como comedia, terror y cine animado.

La directora de Radiance, Naomi Kawase, ha abordado en sus dramas nuevas formas de vincularse en tiempos de máxima alienación
emocional en Japón. (Foto: imdb.com)

El centro de cine proyectará 11 filmes –algunos como estrenos inéditos en nuestro país—en el espacio de Preámbulo, que desde hace casi cuatro años se convirtió en la sede del cine alternativo en nuestra capital. Dentro de las instalaciones del Centro de Cine se encuentra la sala Gómez Miralles en la que se darán dichas funciones a partir de este miércoles 19 de junio, de manera gratuita y para todo público.

Además de la proyección de filmes, el ciclo será acompañado con una serie de actividades complementarias, como vestimenta de yukata, clases de koke-dama y clases de japonés.

Usted puede informarse de estas actividades y reservar su espacio por medio del correo preambulo@centrodecine.go.cr

El drama japonés

El género dramático es uno de los géneros que más tradición tiene dentro de la historia audiovisual de este país. Se remonta mucho más atrás de la llegada del aparato cinematográfico a Japón pues ya el teatro noh y el teatro kabuki eran formas muy populares de drama musicalizado y estilizado.

Esta influencia fue heredada durante el siglo XX por los maestros del cine en Japón, como Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi, que moldearon el lenguaje cinematográfico de esa nación. Su atención al espacio, al silencio, a los pequeños detalles y al minimalismo en la actuación dieron forma a una tradición narrativa opuesta a la visión tradicional del cine en occidente, que se centra en la “acción”. En Japón se pone más atención a lo que no sucede y lo que no se dice.

Directores como el legendario Akira Kurosawa rompieron este molde, con filmes mucho más dinámicos e inspirados en géneros occidentales, pero aún así los elementos tradicionales del cine japonés y del estilo de actuación estilizada se mantuvieron dentro de la pantalla. A nivel de contenido, los filmes dramáticos de hoy en día en Japón continúan explotando un nicho que usted podrá observar durante el ciclo de cine de este mes: el romance inusual y el drama familiar. A continuación le contamos un poco acerca de las cinco películas que se mostrarán este mes y su fecha de exhibición.

Radiance (Hikari)  miércoles 19 de junio (7 p.m.)  y sábado 29 de junio (4 p.m.)

Su título en español se conoce también como Hacia la luz y fue seleccionada para el festival de Cannes en 2017, donde ganó el Premio del Jurado Ecuménico. Dirigida por Naomi Kawase, una de las directoras más importantes de Japón en este momento, el filme se concentra en la relación afectiva de una traductora de películas para personas con discapacidad visual y un fotógrafo que está perdiendo la vista.

En Japón ha aparecido una reflexión constante hacia este tipo de relaciones inusuales o inesperadas, pero que en realidad terminan siendo las más cotidianas (en contraste con el ideal hollywoodense) y las que más nos atraviesan. Es este tipo de “desconexión” social lo que ha alimentado la mirada de esta directora, desde que trabajó previamente en documentales, y que ahora busca centrarse en la creciente mediación tecnológica entre las personas y las problemáticas que esta ha desatado: soledad, suicidio, alienación, abandono.

El cine y la visualidad no escapa a este fenómeno, y Radiance se encarga de poner en entredicho la hegemonía que asignamos al sentido de la vista y a nuestro falso sentimiento de certeza e indiferencia que muchas veces se tiene hacia lo que se observa superficialmente sin ser procesado por las emociones primero, especialmente cuando se trata de otro ser humano. La mirada de Kawase puede considerarse un poco “exagerada” y melodramática para los públicos acostumbrados al cine más “desinhibido” en occidente, pero su abordaje resultará refrescante para los que buscan un cine más humano.

Harmonium (Fuchi ni tatsu) – sábado 22 de junio (4 p.m) y jueves 27 de junio (7 p.m.)

Este filme es uno de los estrenos más esperados de este ciclo de cine; participó en el festival de Cannes de 2016, donde ganó el premio del jurado de la sección “Una Cierta Mirada”. Su director Koji Fukada es una de los jóvenes más prometedores dentro del cine japonés actualmente y su trabajo se ha inspirado en cineastas minimalistas y de misterio como Éric Rohmer y en la tradición japonesa de Ozu y Mizoguchi sobre familias en crisis. Harmonium parte de una de las premisas fundamentales de este género: la llegada de un extraño, un intruso, o un agente del pasado en la vida cotidiana de una familia. El filme va revelando una serie de secretos que van volviendo la presencia de este huésped dentro de la casa una amenaza, aspecto que recuerda a filmes clásicos de Hitchcock, como La sombra de una duda (1943) o a clásicos como In the Bedroom (2001).

Otro importante director japonés, Hirokazu Kore-eda, también se ha preocupado por estos dilemas intrafamiliares en los que tratan de llevar a sus personajes al extremo, cuestionando los lazos básicos que nos hacen mantenernos unidos, como su más reciente Shoplifters (2018), que ganó la Palma de oro en Cannes.

Fukada, por su parte, es un director mucho más detallista, y pone una atención especial a la estética y a la coloración de los planos y los vestuarios (al estilo de Pedro Almodóvar). De manera que conforme Harmonium avanza el espectador se sumerge en la ambientación y en la psicología de los personajes de manera sutil. Su estética de misterio se va tejiendo lentamente y demandará del público una atención mayor para poder disfrutar del desenlace emocional de cada uno de sus personajes.

Asako I & II (Netemo Sametemo) – sábado 22 de junio (7 p.m.) y viernes 28 de junio (7 p.m.)

Otra competidora del festival de Cannes –en este caso de 2018— Asako I & II presenta un título muy atractivo para una película de estilo más convencional. Su historia se basa en una novela, acerca de Asako, una mujer que se enamora de dos hombres que se ven casi iguales, pero se comportan diferente, en dos momentos y dos ciudades distintas.

En Okuribito (Despedidas) se exploran aspectos poco conocidos de la sociedad japonesa como el tabú respecto a la muerte y a
los rituales funerarios. (Foto: imdb.com)

Su director, Ryusuke Hamaguchi, parece inspirarse en el estilo de un director como el coreano Hong Sang-soo quien en sus filmes aborda romances afectados por extrañas circunstancias existenciales pero muy cotidianas, como un día que se repite o coincidencias accidentales con extraños. Asimismo, el filme se asemeja a historias clásicas basadas en el mito del doble como La mujer del teniente francés de Harold Pinter, adaptada al cine en 1981, o La doble vida de Verónica de 1991.

Este filme tendrá una especial atracción para quienes busquen una mirada a los pequeños detalles de los romances y a las circunstancias tan distintas que nos pueden llevar a conocer a alguien o a alejarnos de alguien. Este mensaje es llevado con habilidad por su director quien intercala el filme con escenas de gran belleza visual que intentan inmortalizar pequeños momentos y miradas como los que uno desea guardar para sí mismo cuando se está enamorado de alguien.

Este tipo de obras sencillas combinadas con una pizca de “qué pasaría si…” tiene más anclaje en la cultura de consumo juvenil en Japón que indaga acerca de todas las variantes posibles dentro del género romántico tradicional en el manga y en las series animé. Así, una obra de este tipo puede ser contrastada con filmes de más difícil acceso hoy en día en ese país, como el clásico de cine erótico japonés La mujer de las dunas (1964) de Hiroshi Teshigahara.

Like Someone In Love (Raiku samuwan in rabu) – Viernes 21 de junio (7 p.m.) y sábado 29 de junio (7 p.m.)

Otras miradas internacionales acerca de la realidad japonesa también tendrán cabida dentro del ciclo, como la del director iraní Abbas Kiarostami, uno de los últimos maestros del cine. Kiarostami realizó este filme en 2007, en el que retrata la realidad de una joven que se prostituye en Tokio para poder ahorrar y pagar sus estudios. Es entonces que conoce a un hombre de avanzada edad con el que establecerá una inesperada relación afectiva.

Este filme puede considerarse uno de los clásicos de nuestra década, en el que se abordan las realidades de dos generaciones y dos miradas del amor y la comprensión totalmente opuestas, y desde sectores excluidos igualmente opuestos. La mirada de Kiarostami está centrada en la seducción y en la ternura, dos emociones que a veces pueden encontrarse en el camino durante la intimidad y confundirse. Esto puede provocar el sentirse atraído y al mismo tiempo decepcionado por la naturaleza de nuestros vínculos hoy en día, marcados por la fugacidad y la artificialidad, pero también por la intensidad y la búsqueda de sentido. La confusión y el misterio acerca de lo que mostramos y ocultamos los seres humanos es parte del encanto de la narrativa, pues deja abierto al público el significado que otorgamos a las acciones en pantalla.

Kiarostami es un cineasta que se nutrió de todo tipo de visiones alrededor del mundo, y vivió la exclusión en su propia tierra, por lo que su abordaje resalta, no tanto en lo que sucede en el exterior, o en una locación particular, sino lo que sucede en el interior de las personas, en lo que nos hace iguales no importa el lugar del mundo.

Departures (Okuribito) – jueves 20 de junio (7 p.m.)

Ganadora al premio Óscar por mejor película extranjera en 2008, este filme no pasó por nuestro país en su momento, pero es uno de los más aclamados de ese año en todo el mundo. Su mirada sensible y humorística hacia una realidad que parece alienígena a nuestra cultura occidental es un homenaje a una tradición de cine centrada en lo innombrable, en aquellas cosas que a veces no se pueden expresar, ni juzgar, ni racionalizar, solo las podemos poner en imágenes y en sentimientos.

Así, Okuribito se sumerge en la realidad de un joven músico, Daigo, quien ve su realidad cambiar radicalmente cuando debe dejar de tocar su violoncelo y convertirse en un nokanshi, es decir, en la persona encargada de realizar el ritual funerario de preparar a los cadáveres para su tránsito hacia el más allá. Esta labor conlleva un gran estigma en Japón, donde la muerte es considerada un tabú; tener contacto con la muerte o los muertos conlleva un gran estigma e incluso el rechazo social (El número 4 es incluso prohibido en las edificaciones japonesas por la similitud entre su pronunciación y la de la palabra “muerte”).

Este filme es de un valor filosófico y cultural invaluable, pues a pesar de la extrañeza que esta labor pueda aparentar, este filme nos muestra a un personaje que siempre ha existido en la historia del cine: la del marginal, el indeseable, la persona que cumple su labor a pesar de no ser reconocido al mismo nivel que los demás. Desde Chaplin y su personaje del vagabundo hemos contado esta historia innumerables veces, y no importa el contexto, el lenguaje es universal.

Sin embargo, el cine japonés ha hecho de la muerte un tema privilegiado en su cinematografía, pues en la contemporaneidad la realidad de la muerte se refleja en la forma en que tratamos con los vivos, en la forma en que no se preocupan tanto por la tragedia en sí misma sino en la desaparición y en la manera en que las demás personas deben aprender a vivir con ese vacío.


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